Humo en la sala » fotografía

Escena final de “El bueno, el feo y el malo”- (Sergio Leone, 1966)

FJ Altabert — Wed, 05 Aug 2009 12:00:14 +0000

Genial escena dramática llena de tensión y cierto humor negro. El clásico duelo al sol reconvertido en un triple duelo con mayor tensión psicológica.

De la coreografía de los primeros minutos, dejando que cada cual se coloque en su sitio para poder empezar, llega al punto de más tensión con el juego de miradas. Colocados alrededor del “campo del duelo” los tres protagonistas comienzan un cruce de miradas como si de una partida de poker se tratara.

Sergio Leone monta el duelo a tres bandas para narrar la tensión y las dudas reflejadas en los rostros de cada uno de los pistoleros, dado que son tres, cada uno debe tratar de adivinar a quien de los otros dos disparar primero y a quien elegirán los demás para dispararle primero a su vez, dejando a alguien en la mejor posición para ganar el duelo. Tal y como harian los jugadores de póker.

Sin embargo, esta base narrativa, no hace sino de excusa para que tanto los actores como el director jueguen con la psicología de cada personaje, casi haciendo un homenaje a cada uno de ellos al final de la película, que por otro lado, no podia acabar de otra forma, como todo western, con un duelo y final.

Un montaje excelente, para disfrutar de la música tanto como el director:

Eli Wallach como Tuco.
Clint Eastwood como Rubio.
Lee Van Cleef como Sentenza.

Y aqui la banda sonora…

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CONTROL (Anton Corbijn, 2007)

V. Torre — Sun, 14 Jun 2009 20:17:11 +0000

Poster original de la película

Ya teníamos conocimiento de lo que era plasmar en la gran pantalla la vida del grupo musical post-punk nacido en Manchester “Joy division” con la trepidante, emocionante y alocada película “24 hour party people” (Michael Winterbottom,2003),que comprendía desde la decadencia del Punk hasta la muerte del Acid y el nacimiento de la música Disco en Manchester.

Pero “Control” es sin duda una visión mucho mas íntima, desgarradora y cruda de Joy Division y en concreto de su líder Ian Curtis a quien encarna magistralmente el debutante Sam Riley.No solo se parece increíblemente al artista real sino que además tiene un aire tanto en el comportamiento como en el aspecto o el carácter. Quién haya visto alguna vez las pocas grabaciones o conciertos que existen de Joy Division se dará cuenta enseguida de cómo Sam Riley transmite un tipo de energía muy similar.
Basada en la biografía de su viuda Deborah Curtis “Touching from a distance”,(libro por cierto muy recomendable para saber un poco mas del mítico cantante en su faceta mas íntima y personal),”Control” es sin duda una película excelente tanto para los seguidores del grupo como para los que se acercan por primera vez a la figura de Ian Curtis.

Lo único que se le puede criticar es quizá que para quien no conozca nada del conjunto y de la vida del cantante hay muchas cosas que se dan por sabidas o se pasan por alto. Pero esto es lógico ya que de no ser así el metraje de la película sería excesivo.

Control es el primer trabajo como director del genial fotógrafo Antón Corbijn,rodada totalmente en blanco y negro plasma de forma magistral la atmósfera de Manchester desde 1973 en que Ian era un adolescente excentrico hasta la noche antes del tour americano,1980, que por razones obvias nunca se llegó a realizar).
Que podemos añadir de Ian que no sepamos ya; sus miedos, su mirada perdida como ausente, sus sacudidas maníacas en el escenario…, todo esto se deja entrever de forma rápida en el film, incluido uno de los ataques epilépticos que sufrió en pleno concierto, pero nunca nadie sabía cuando la actuación se convertía en realidad o cuando la realidad se convertía en actuación.

La película no defrauda y capta perfectamente el espíritu denso y torturado de la banda mostrando a un Ian Curtis algo desmitificado. Recomendable para los amantes de la música y el cine,e imprescindible para los seguidores del grupo.

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STROMBOLI, TIERRA DE DIOS (Roberto Rossellini, 1949)

MJ Reche — Fri, 10 Apr 2009 23:59:03 +0000

Roberto Rossellini (1906-1977), es considerado, junto al francés Jean Renoir, congénere del nuevo movimiento cinematográfico conocido como Neorrealismo Italiano. Después, el sentido y significado más puros de este estilo de hacer cine desembocaría en dos corrientes totalmentes distintas en Francia y en Italia.

Los puristas defensores del Neorrealismo Italiano citan a Rossellini como artífice de una trilogía magistral ambientada en la Segunda Guerra Mundial, tres filmes autónomos pero unidos entre sí, como son “Roma, città apperta”, “Paisà” y “Germania, anno zero”. De las cuales hablaré largo y tendido en un futuro post.

De su etapa post- Neorrealista , podemos incluir el film del que voy a hablar a continuación, “Stromboli, tierra de Dios”, con unas características similares a las de sus hermanas neorrealistas, pero con esa pequeña diferencia por la que los críticos más aficionados a clasificar la separan del Neorrealismo puro: simplemente el hecho de no estar ambientada en el presente de la guerra, sino en la postguerra.

“Stromboli, tierra de Dios” surge como oposición básicamente a la escasa calidad e interés que el cine convencional y clásico de Hollywood exportaba a una Europa devastada. Rossellini intentó buscar sus propias características, bebiendo además del agua del contexto social en el que le tocó vivir. Se oberva en nuestro director, una concepción antropológica del cine, lo utiliza como vehículo para conocer al ser humano. Su investigación humanista enfocará el cine como un medio, nunca un fin.

Ambienta sus historias en lugares desfavorecidos, humildes, ambientados en escenarios reales, lo que supone una enorme carga testimonial, sin apenas atrezzo. Muestra los espacios exteriores en toda su crudeza o belleza, con la presencia de actores no profesionales. De hecho, ni me atrevo a llamarles actores, ya que se me antojan figuras sacadas de su contexto real para formar parte de uno ficticio, pero sin dejar de ser ellos mismos. Como ejemplo puedo destacar el hecho de que muchos personajes de Rossellini mantuvieran su nombre de pila en el film; y no puedo evitar pensar en la adorable chiquilla Carmela, recreada por Carmela Sazio en el episodio “Sicilia” en “Paisà”.

Sus historias pasean entre el relato y el documental. Reflejan la frustración, la pobreza, la desesperación. Se trata de plasmar la realidad tal cual es. Una forma de hacer cine desesperanzado y pesimista, con un fuerte contenido social y melodramático pero no moralizante y carente de conciencia artística; aunque sea innegable la calidad estética y fotográfica de las películas Rossellinianas. En esencia, Rossellini busca el ser lo más realista posible dando un significado y connotación humana a lo que narra.

“Stromboli tierra de Dios” supone una excepción en la manera de trabajar con los actores. Concibió el papel femenino protagonista especialmente para Ingrid Bergman, quien ya era una estrella en Estados Unidos. Si bien en un principio lo había ideado para Anna Magnani, sería la Bergman la que la sustituiría en el papel de Karyn y además en la vida sentimental del señor Rossellini. A partir del rodaje de “Strómboli” comenzarían una relación amorosa y profesional que cambiaría la vida de ambos personajes y también supondría una nueva etapa en la filmografría de Rossellini en la que utilizaría como musa a Bergman, quien llevaría a cabo los roles principales.

El hecho de que Rossellini trajera a Europa a una superestrella Hollywoodiense podría interpretarse como una experimento ligado al sentido de la película. Las condiciones que ofrecía la isla no eran las más óptimas, sino que resultaba un auténtico infierno para una actriz mimada y formada en Hollywood. Rossellini alteró las normas del Star System al hacer que una estrella abandonase su condición de diosa para convertirse en una habitante de una isla, para observar qué ocurre realmente, como se desenvuelve, sus gestos, sus angustias… a modo de experimento, tal y como le ocurre a su personaje Karyn.

Karyn es una refugiada lituana que, ante la imposibilidad de encontrar una escapatoria a una situación angustiosa, decide que su única opción es casarse con un joven italiano al que apenas conoce y entiende, con el que ha intercambiado cuatro palabras en un inglés pobre en unos diálogos a la luz de la luna que , ante la imposibilidad de entendimiento, a veces se tornan en monólogos. Él le ofrece matrimonio y una casita en una isla del Mediterráneo. Karyn marcha con él y descubre que en lugar de escapar ha entrado en otra boca del lobo.

El aislamiento por culpa del no entendimiento debido a la barrera del idioma es una característica muy importante en este film. Se llegan a hablar hasta 4 idiomas a la vez: italiano, español, alemán e inglés. Karyn sólo consigue hacerse entender en inglés, lengua que muy poca -casi nadie- en la isla conoce, y lo que provoca en sus habitantes rechazo hacia la extranjera. La extrangería genera un auténtico problema de incomunicación, entre la gente del lugar. Ella se siente observada y deseada por los habitantes, pero es imposible establecer un diálogo.

La isla es cruda, agresiva. La dureza y oscuridad de la tierra volcánica contrasta con la fragilidad, la claridad de la piel y el pelo de Karyn, la luz que irradia su físico extraño para los habitantes enjutos, de piel curtida por el sol y arrugada como las montañas rocosas de la isla. Se encuentra en un lugar dominado por la inquietante fuerza de la naturaleza: la tierra, el mar… forman una barrera natural dura, rocosa, antigua.

El hecho de que la película fuese rodada en blanco y negro otorga a la fotografía una calidad en ocasiones casi expresionista. Hace que percibamos más agudamente las diferentes texturas del paisaje desolado y desolador , en los que Rossellini se recrea en interminables planos secuencia, travellings… donde sitúa al ser humano dentro de la magnificiencia de la naturaleza y lo hacer parecer algo insignificante e incapaz de controlarla.

Especialmente angustiosa es la relación medio-naturaleza-persona en el recorrido que Karyn realiza en solitario, por la ciudad semi derruida y casi abandonada, que se ha convertido en una especie de laberinto en el sentido físico y metafórico. Ella grita: “I want to get out!” (quiero salir de aquí!). Durante esta escapada a ninguna parte tiene como única compañía el llanto de un bebé, que actúa como sonido diegético y extradiegético a la vez, ya que sabemos que el niño está cerca de ella, pero nunca lo llegaremos a ver.

Desfallecida, Karyn se apoya en un muro pedregoso y con una chumbera de pinchos afilados y medio seca a sus espaldas. De nuevo dos símbolos de ese medio duro y agresivo que es la isla.

Las mujeres en la isla ven a Karyn como una extraña: no la aceptan ni la entienden. Ella es una mujer moderna, con diferente físico y forma de pensar, que está atrapada dentro de un círculo herméticamente cerrado de costumbres, mentalidades y acciones totalmente enraizadas y establecidas. Esas mujeres se presentan siempre a lo largo del film vestidas igual, con un físico similar; es imposible identificarlas, individualizarlas. Rossellini las representa así formando un bloque metafórico hostil, un muro que Karyn nunca podrá salvar.

Si tuviese que elegir una secuencia de esta película, sin duda señalaría la de la pesca del atún. Nos encontramos con un silencio ensordecedor. Los pescadores esperan, sólamente canturrean una canción popular. Karyn se empeña en acompañar a su joven marido a la pesca y, observa aterrada esa explosión de vida y muerte, donde los pescadores actúan con absoluta crueldad sobre la naturaleza. Esta escena demuestra el sentido documentalista del cine de Rossellini.

Es casi mi obligación, como artista plástico, comentar que esta pesca del atún inspiró directamente al pintor Salvador Dalí a la hora de gestar y pintar su brillante y famosísima “pesca del atún”.

Al final de la historia, Karyn decide huir de la isla, y tras varios tropiezos se ve perdida inmersa en una nube de humo y con el cráter del volcán frente a ella. Desorientada y sin saber que hacer sigue huyendo. En esta secuencia es bellísima la fotografía, se nos muestra a una reluciente Bergman enmedio de una nada negra, de arena volcánica, y con un plano picado que nos proyecta la sensación de angustia y de huida hacia el volcán, hacia la perdición de Karyn.

Finalmente, medio desfallecida, levanta el rostro hacia el cielo y, en un bellisimo primer plano, pide ayuda a Dios:

“God, my God, give me the streght, the understanding, and the courage… mercy, my God!”

(Dios mio, dame la fuerza, la sabiduría, la valentía… piedad, Señor!”

Esta es la invocación más simple, más primitiva, más común que pueda salir de la boca de alguien oprimido y desesperado por el dolor. Aquí puede ser una invocación mecánica o la expresión de una revelación.

Rossellini juega con el final abierto. No sabemos a ciencia cierta como concluye la escapada de Karyn, aunque algo se puede intuir… yo tengo mi propia idea… cada uno que construya la suya!

´”Strómboli, tierra de Dios” es una película especial, hay que verla con ojos nuevos, de niño, para poder disfrutarla al 100%. Ah, y en esta ocasión no recomiendo verla en V.O….. es algo obligatorio!

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VICKY CRISTINA BARCELONA ( Woody Allen , 2008)

admin — Thu, 02 Apr 2009 17:27:38 +0000

La iluminación de esta película es sobretodo natural

Esta es, prácticamente, una película de libro : ¿Vamos de manual para futuros profesionales?… pues casi que sí. ¿Por qué hablar de la pelicula “Vicky Cristina Barcelona”? Supongo que el sentimiento es el mismo que al contemplar desde la grada algunos penaltis en el fútbol o los pasos en el baloncesto, no queda otra que pitarlos desde la butaca, por que son faltas de libro, como se suele decir.

Aqui nadie se ha tirado a la piscina, tampoco esperábamos que Woody Allen se volviera un iconoclasta o un revolucionario, algunos dicen que antes lo era. Un pasado turbio que ha podido subsanar felizmente con una película muy politicamente correcta, entre otras.

Que nadie se engañe, sabías a lo que venias, con el buen gusto de boca que dejó Match Point, era imposible volver a salir del cine contento, pues todos los elementos de la película te dejaronn asombrados. No existen los éxitos clónicos.

Sin embargo, pese a la bella factura de la fotografía, una historia mil veces contada y con mil posibilidades por explotar más, y un reparto y dirección solventes…el aburrimiento se hace patente, eso si, intercalado con sonrisas (y risas) de asombro:

Impagable el viaje en avioneta para ver una talla religiosa y de paso asistir a un concierto de flamenco (sospechosamente parecido, a los que monta Almodóvar en alguna de sus películas) en Asturias. Esto si es ciencia ficción. Que seria estupendo si no fuera por que está todo tan medido y tan subrayado en el manual de películas de “Americanos típicos por Europa”que resulta ridículo. La pretendida mezcla entre artisteo, turismo de tour operador, glamour y personajes “diferentes” en su particular “búsqueda interior” no acaba de cuajar.

¿Por qué por otro lado…. todo es correcto?, salvo la película en su totalidad, a las diferentes partes no se le puede achacar nada en contra o “mal hecho”, no en balde su director sabe del oficio más que bastante. Por ello, a veces da la sensación de estar viendo un telefilme de sobremesa de muy buena factura. ¿ Quien no es capaz de hacer una foto en el Parque Güell, si estas de visita por Barcelona? ¿Interesa eso a alguien , aparte de familiares y amigos? y… ¿ Si las historias vacías tuvieran un buen envoltorio? ¿Dejarían de estar vacías?.

No se pude dar en la diana siempre, algunas veces basta con intentarlo y recordarnos que existen pelis como:

“À bout de souffle”

Quizá los míticos directores viven horas bajas, yo no lo creo, han sido simplemente unas buenas vacaciones. esperemos que haya recargado las pilas!.

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